L'artiste reçoit de nombreuses récompenses pour sa vision ambitieuse de cet épisode particulier du cinéma américain, la disparition du cinéma muet pour faire place au cinéma parlant. C'est un bel effort et une montre stimulante, et il aborde la question la plus artistique de toutes les questions artistiques, à savoir : qu'est-ce qu'être un artiste quand il devient impossible de pratiquer cet art ?
Pour les acteurs du cinéma muet à la fin des années 20, cette question était une préoccupation presque constante, avec des opinions diverses abordant des soucis philosophiques et pratiques. L'artiste aborde à peine les événements marquants de cette transformation, choisissant plutôt de se concentrer sur l'angle extrêmement personnel. Les luttes qui Georges Valentin visages dans L'artiste ont été repris par bon nombre de nos stars de cinéma les plus populaires de l'époque.
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Le film dissimule la réalité selon laquelle le film sonore a commencé à être introduit dès 1923, avec des projections d'une nouvelle technologie brevetée de son sur film adaptée rétroactivement aux films muets qui ont été immédiatement populaires. Les grands studios se sont tous efforcés de se procurer et d'adapter la technologie pour faire de grands films de studio avec son incorporé. La transition était inévitable et les stars avaient une bonne introduction pour apprécier ce qui allait arriver.
Cependant, il est vrai que le moment venu à Jésus a été la sortie en 1927 de Warner Brothers Le chanteur de jazz , dans ce qu'un critique a appelé avec dérision un enregistrement Vitaphone agrandi de Al Jolson en une demi-douzaine de chansons. Malgré le jugement peut-être juste selon lequel le film a été entièrement créé pour montrer la technologie du film sonore, le film a été un énorme succès et a allumé les lumières dans la tête des cinéphiles - le son était plus réaliste, il permettait une plus grande portée, et c'était plus intéressant. Il n'était pas question de sa supériorité - pour la plupart.
Certains pensaient encore que le film sonore était maladroit, la quintessence du collant. Thomas Edison était agacé par la rigidité initiale du film sonore, une éventualité créée par la plage de mouvement limitée offerte aux acteurs qui devaient rester dans l'arène du microphone. L'un des tout premiers produits bêta, le film sonore souffrait de plusieurs inconvénients technologiques : en plus du mouvement limité, les caméras à l'époque étaient extrêmement bruyantes et interféraient avec le tournage, il y avait des difficultés à synchroniser la bouche des acteurs avec le dialogue, et le la demande de scénaristes (une phrase que l'on ne s'attend jamais à lire) pour écrire plus que des intertitres était élevée. Edison est devenu frustré par l'entreprise et a recommencé à faire des films muets avec des stars de l'époque comme Arc Clara .
Bow, aussi, a un peu souffert d'un problème qui a tourmenté de nombreuses stars silencieuses lors des tentatives de transition vers le son : un fort accent. Elle et son twang de Brooklyn sont devenus des films parlants avec peu de problèmes, mais des stars étrangères fortement accentuées comme l'Allemand Emil Janning ou actrice hongroise Vilma Banky ont trouvé que leur discours était un obstacle plus important. L'accent français de George Valentin dans sa seule ligne à la fin de L'artiste rend hommage à cette idée. Un autre problème qui empêchait de nombreuses stars de passer au cinéma parlant était leur manque de formation vocale – cela n'avait pas été nécessaire dans leurs carrières antérieures, et beaucoup manquaient de voix convaincantes pour le public. Le méconnu Norma Talmudge a souffert de cet effet et a démissionné des films après l'échec de ses premiers films parlants. Lorsqu'on lui a demandé un autographe après son départ cinématographique, elle a dit aux fans, Evadez-vous, mes chéris. Je n'ai plus besoin de toi et tu n'as plus besoin de moi.
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La plupart des acteurs ont capitulé et ont fait la transition du mieux qu'ils ont pu, et il est juste de L'Arist suggérer que certains d'entre eux, comme son héroïne de fiction, le modèle Ruby-Keeler Peppy Miller , s'en sont plutôt bien sortis. Lillian Gish , D.W. Le chéri du cinéma muet de Griffith, a pris une décennie de congé pour faire du théâtre et est revenu au cinéma, recueillant des éloges et quelques nominations aux Oscars en cours de route. Joan Crawford , l'éminente garce en chef, a fait une très belle carrière dans le cinéma sonore jusqu'à la vieillesse. Clara Bow, tout en dénonçant la perte de gentillesse dans les films parlants, qu'elle détestait, a également admis qu'elle ne pouvait pas freiner les progrès et s'est adaptée aussi bien qu'elle le pouvait. C'est-à-dire pas très, développant une dépendance constante aux sédatifs et à l'alcool qui lui a duré le reste de sa vie. Pour être juste, cela n'a peut-être pas été tant le fait d'un film sonore que le résultat de s'être réveillé avec sa mère tenant un couteau sous sa gorge quand elle était enfant. Euh ! Mais c'est une histoire d'horreur pour un autre jour.
L'artiste sur-dramatise cependant la rapidité de la transition vers le film sonore. Comme mentionné ci-dessus, Edison a continué à faire des films muets qui ont plutôt bien fonctionné. L'Europe et l'Asie ont effectué une transition un peu plus tard et beaucoup plus tard, respectivement – jusqu'en 1938, un tiers des films japonais étaient encore muets. Salvador Dalí et Luis Buñuel a produit le séminal Un Chien Andalou en 1929 comme un film volontairement muet. Et la Grande Résistance de tous, Charlie Chaplin , fait Les temps modernes en 1936 (!), le dernier film muet américain à avoir connu un grand succès en soi, et à la fois commercialement et critiquement populaire à son époque.
Le film a commencé comme un film parlant, assez ironiquement, puisque Chaplin détestait le cinéma sonore, et le sujet en traite indirectement. Chaplin joue le rôle d'un ouvrier d'usine essayant de survivre aux iniquités de l'invention moderne, se retrouvant perdu parmi la production de masse et sans signification de l'individu. Le film est une comédie, bien sûr, mais de cette manière particulière, Chaplin a amené l'humour à sa conclusion déprimante. En 1929, Chaplin déclara que les talkies ruinent la grande beauté du silence. Ils déjouent le sens de l'écran. Même Chaplin n'a pas pu tenir éternellement - en 1940, il a produit son premier film sonore, Le Grand Dictateur, l'une des premières œuvres d'art anti-Hitler.
Le son a toujours été destiné à faire partie du film, et son absence pendant les trois premières décennies de son histoire est une aberration due aux restrictions d'une technologie qui trébuche sur elle-même dans son exubérance juvénile. Cela ne veut pas dire que cette transition n'a pas eu d'effets réels et parfois dévastateurs sur la vie des êtres humains, et L'artiste est un traitement magnifique, quoique simpliste, de cette période.
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Même s'il vaut la peine de souligner que l'être humain sur lequel notre protagoniste George Valentin semble être basé s'est plutôt bien comporté à la fin du cinéma muet.
William Powell , lui de la moustache en guidon et du petit chien terrier ci-dessus, avait une voix grave et charmante qui lui allait bien dans les talkies. Lui et l'actrice Myrna Loy étaient une combinaison de superstars, et il a frappé très fort avec elle dans L'homme mince , devenant une liste du jour au lendemain. Donc, vous voyez, les progrès n'étaient pas si mauvais pour tout le monde. Surtout, dans ce cas particulier, Jerry Bruckheimer .
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Natasha Simons était une mineure en études cinématographiques qui aimerait être aussi baller que Joan Crawford. Elle blogue ici .
