Guillermo del Toro a développé un style cinématographique qui ne peut être décrit avec précision que comme une fantaisie d'inspiration gothique, influencée par Fabergé, folk-punk-horreur. Son intelligence émotionnelle et sa complexité thématique sont uniquement mexicaines, mais aussi mondialement captivantes. Voici tous ses films à ce jour, classés par ordre de mérite artistique et de révisibilité.
12. Feuilles II (2002)
Le deuxième des trois films basés sur le personnage de Marvel Comics Blade, Feuilles II suit un hybride humain-vampire dans sa quête continue pour protéger l'humanité en chassant les vampires. Il rencontre un groupe de vampires mutants qui veulent exterminer non seulement les vampires, mais aussi les humains, et les scènes de combat à l'épée s'ensuivent. Mais comme beaucoup (sans doute trop) Extraterrestre et Prédateur films, cela peut être un exercice de confusion lorsque chaque épisode d'une série est réalisé par un cinéaste différent, chacun avec sa propre vision créative de la franchise.
Feuilles II a été un succès au box-office, probablement en raison de l'attrait de Wesley Snipes au début des années 2000, mais sa réponse critique a été tiède. Il n'y a pas beaucoup de développement de personnages ici, et les histoires de chasse aux vampires sont souvent remplies de clichés. Mais même après 20 ans, les performances solides, l'utilisation élégante de la lumière et de l'ombre et la chorégraphie de combat de Donnie Yen en font le volet le plus fort de la série.
Onze. Pacific Rim (2013)
Seul film de del Toro pouvant être clairement classé dans la science-fiction, cet hommage aux films kaiju des années 1950 et 1960 et aux anime mecha des années 1980 et 1990 a été son long métrage le plus réussi sur le plan commercial. Mais il reste le moins lié au reste de sa filmographie, esthétiquement parlant.
Au-delà des références évidentes à Godzilla et Néon Genesis Evangelion , il y a aussi des clins d'œil à Jour de l'indépendance , Guerres des étoiles , et 2001 : L'Odyssée de l'Espace, et des hommages plus subtils à la fiction de Philip K. Dick, Ray Bradbury, H.P. Lovecraft et Mary Shelley. Toutes ces références font parfois Pacific Rim ressemble plus à un jeu de recherche pour les geeks qu'à un récit mémorable à part entière. Son histoire d'un ex-pilote en disgrâce (Charlie Hunnam) formant une dyade humaine avec un stagiaire récent (Rinko Kikuchi) pour utiliser un modèle obsolète d'un robot géant afin de vaincre une horde de monstres gigantesques pour toujours (jusqu'à la suite) est authentiquement émotionnel et engageant à certains moments. Mais sa conception de production à gros budget rappelle la complexité visuelle engourdissante de Michael Bay. Transformateurs plus que les curiosités analogiques réfléchies des autres travaux de del Toro.
dix. Imiter (1997)
D'après une nouvelle de Donald A. Wollheim, Imiter a été adapté par Guillermo del Toro et Matthew Robbins. Cet hybride de science-fiction et d'horreur continue de développer le style visuel pictural que del Toro a établi quatre ans plus tôt dans son premier long métrage. Chronos .
Dans Imiter , un fléau qui touche les enfants se propage dans Manhattan par le biais de cafards. La toujours sous-estimée Mira Sorvino ( Réunion du lycée de Romy et Michèle , L'été de Sam ) joue un étudiant diplômé qui exploite le génie génétique pour créer un insecte mi-mante, mi-termite qui peut imiter les cafards afin de s'infiltrer dans leurs espaces et de les tuer avant qu'ils ne puissent propager d'autres maladies. Bien que ces insectes hybrides aient été conçus pour être stériles, ils évoluent en de grandes créatures prédatrices qui donnent un nouveau sens à leur surnom de 'Judas Breed' (d'après le traître biblique). Tout au long du film, del Toro montre son don de rythme, d'éclairage et de travail avec les interprètes pour faire ressortir leurs performances les plus naturalistes. Sorvino est soutenu par Josh Brolin, Charles S. Dutton et F. Murray Abraham dans un film qui contrebalance la hideur par une beauté aussi contemplative qu'énervante.
9. Allée des cauchemars (2021)
Basé sur un roman de William Lindsay Gresham, ce thriller psychologique est le seul film de Guillermo del Toro sans éléments fantastiques ou surnaturels. Il s'agit de la deuxième adaptation du roman de Gresham (la première date de 1947), et del Toro renforce ses conventions noires avec des éléments d'un monde souterrain étrange tourné dans son style sans équivoque. L'intrigue suit un vagabond (Bradley Cooper) qui devient médium et rencontre de manière inattendue une psychologue (Cate Blanchett) qui veut le dénoncer comme un imposteur. Blanchett et Cooper sont soutenus par un casting solide qui comprend Toni Collette, Willem Dafoe et Rooney Mara. La production a été arrêtée en 2020 en raison de la pandémie de COVID-19, et le film a finalement mis plus de deux ans à se terminer. Malgré une réponse affectueuse des critiques, et une recommandation directe de Martin Scorsese , Allée des cauchemars gagné seulement 39,6 millions de dollars par rapport à son budget de 60 millions de dollars. Et chaque fois qu'un créateur bien-aimé s'aventure en dehors de son domaine esthétique (par exemple, les films non fantastiques de Hayao Miyazaki), le résultat non seulement défie les attentes du public, mais risque de devenir moins connu dans son canon.
8. Chronos (1992)
Le drame d'horreur financé de manière indépendante Chronos était le premier long métrage de Guillermo del Toro. Inspirée autant du réalisme magique latino-américain que du cinéma classique de vampires, cette histoire examine les effets d'un dispositif à remontoir qui confère l'immortalité à son porteur. L'intrigue suit l'appareil - inventé par un alchimiste en Espagne en 1536 et porté par lui jusqu'à sa mort en 1937 - dans un magasin d'antiquités au Mexique en 1996. L'appareil est acheté par un antiquaire nommé Jesús Gris ( Federico Luppi ), qui l'active sans le savoir. Il retrouve sa santé et sa vitalité, mais développe également un goût pour le sang, jusqu'à ce que sa petite-fille Aurora (Tamara Shanath) l'aide à trouver un moyen de l'en libérer. Les thèmes mythologiques sont contrebalancés par des performances discrètes dans le film qui a établi del Toro en tant qu'écrivain et réalisateur d'horreur gothique avec un cœur compatissant.
bandes-annonces honnêtes prêtes pour le joueur un
Bien que sorti à l'origine dans seulement deux cinémas en Amérique du Nord, Chronos a ensuite remporté le grand prix de la Semaine internationale de la critique au festival de Cannes en 1993 et neuf prix Ariel de l'Académie mexicaine du cinéma. Il fait maintenant partie de The Criterion Collection Trilogie Guillermo del Toro série avec les autres films en espagnol de del Toro, L'épine dorsale du diable (2001) et Le Labyrinthe de Pan (2006), et présente une pochette de Hellboy le créateur Mike Mignola et l'artiste de bandes dessinées Becky Cloonan.
7. Hellboy (2004)
Dans son commentaire audio pour le DVD Director's Cut, del Toro explique qu'il a choisi Ron Perlman pour le rôle-titre dans son adaptation en direct du Hellboy bande dessinée parce qu'il savait que Perlman pouvait offrir subtilité et nuance, même sous tant de maquillage. Dès sa première apparition à l'écran, il était évident que del Toro avait trouvé l'interprète parfait pour donner vie au personnage. Perlman a joué dans sept des 12 films de del Toro à ce jour, mais son rôle de Hellboy dans deux d'entre eux reste son plus emblématique.
L'histoire follement imaginative de Mike Mignola - bien que toujours intellectuellement solide - impliquant les nazis, l'occulte, les portails vers l'enfer et la valeur de rester authentique envers soi-même au mépris des attentes de la société se traduit bien au cinéma. Basé sur l'intrigue de Hellboy : graine de destruction (Volume 1 de la série Dark Horse Comics), le film met en vedette Selma Blair dans le rôle de la pyrokinétique Liz Sherman, Doug Jones dans le rôle de l'humanoïde amphibie Abe Sapien (et un David Hyde Pierce non crédité dans le rôle de sa voix) et John Hurt dans le rôle de Trevor Bruttenholm, le directeur du Bureau de recherche paranormale et de défense. Les performances sont sérieuses mais détendues et jamais explosives malgré le cadre fantastique. La réflexion narrative 'Qu'est-ce qui fait qu'un homme est un homme?' est un thème que del Toro revisite dans la suite de Hellboy, ainsi que son adaptation de Pinocchio . Aussi masculin que puisse être le cadrage de cette question, la réponse pourrait s'appliquer à n'importe qui : 'Ce sont les choix qu'il fait.'
6. Hellboy II : L'armée d'or (2008)
Comme L'empire contre-attaque (1980) ou Le Chevalier Noir (2008), la suite de Hellboy est toujours plus engageant et finalement plus mémorable que son prédécesseur. Tour à tour onirique, bizarre, burlesque et fascinante, aucune autre aventure de fantasy urbaine en direct n'est comparable à L'armée d'or . Ron Perlman, Selma Blair et Doug Jones offrent des performances nuancées, même pendant les séquences d'action, qui sont magnifiquement réalisées. Dans la suite, des créatures magiques qui se cachent juste sous la surface du monde humain veulent récupérer leur souveraineté. Le prince elfe Nuada réveille l'armée titulaire d'anciennes machines pour raser l'humanité afin que les créatures magiques puissent retrouver leur liberté.
Del Toro utilise des effets pratiques comme le maquillage et les prothèses avec des marionnettes et des animatroniques, et les intègre de manière transparente avec CGI pour créer un monde aussi crédible que fantastique. L'armée d'or présente un dieu élémentaire de la forêt qui semble saigner du trèfle et de la mousse, un marché nocturne de style Marrakech pour les trolls, un médium ectoplasmique contenu dans une combinaison de plongée sous-marine (exprimée par Seth MacFarlane) et des costumes richement texturés. Comme cela a tendance à être le cas avec le travail le plus fort de del Toro, les moments les plus efficaces sont les interactions entre les personnages, qui sont imprégnées d'un sens de l'humour qui rend même leurs moments les plus étranges relatables.
5. La forme de l'eau (2017)
La forme de l'eau est unique pour avoir été nominé et avoir remporté le plus de prix de tous les films de Guillermo del Toro, mais aussi pour ses multiples allégations de plagiat. Les allégations allaient d'un procès affirmant que l'intrigue est une copie point par point du roman Laisse moi t'entendre chuchoter , aux accusations des critiques de cinéma qui citent des similitudes avec Homme amphibie et le roman d' Alexander Belyaev sur lequel il était basé, ainsi que des allégations de plagiat de la conception visuelle globale par le cinéaste français Jean-Pierre Jeunet . Malgré toutes ces accusations, del Toro ne cite que Créature du lagon noir (1954) et les films de Terry Gilliam comme influence, et le résultat final est un drame cinématographique qui lui est propre.
Pierre Capaldi Léonard de Vinci
Une femme muette nommée Elisa Esposito (Sally Hawkins) travaille comme femme de ménage dans un laboratoire gouvernemental à Baltimore, où elle trouve une créature amphibie humanoïde retenue en captivité. Les deux forment un lien et finissent par tomber amoureux, mais lorsque la créature est prévue pour la vivisection, Elisa l'aide à s'échapper. Doug Jones joue avec élégance en tant qu'homme amphibien, et Hawkins et les acteurs de soutien Octavia Spencer et Richard Jenkins ont chacun été nominés aux Oscars pour leurs performances. La forme de l'eau est aussi à l'aise avec sa propre étrangeté que l'un ou l'autre de del Toro Hellboy films, mais sa caractéristique la plus mémorable est sa tendresse.
Quatre. Pic cramoisi (2015)
Guillermo del Toro décrit Pic cramoisi comme une romance gothique, 'un mélange d'histoire d'amour, de mélodrame, avec une atmosphère.' Mais comme une histoire de fantômes avec des thèmes romantiques et des motifs d'horreur, Pic cramoisi est plus qu'un simple mélange - c'est un élixir, brassé à parts égales de traumatisme, de perte, de chagrin et de mémoire.
Après son mariage avec Sir Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), Edith Cushing (Mia Wasikowska) déménage dans un manoir victorien construit sur une petite montagne d'argile rouge sang, où elle rencontre la sœur de Thomas, Lucille (Jessica Chastain), la gardienne du Sharpe. secrets de famille, qui incluent une série de fantômes de plus en plus horribles. Pic cramoisi est plus une pièce d'ambiance qu'une étude de personnage, et l'intrigue du mystère surnaturel n'est pas le point central du récit. Au lieu de cela, c'est une histoire de la façon dont le traumatisme informe nos relations.
L'émotivité des performances élève Pic cramoisi au-delà d'un pastiche de ses influences. La conception visuelle somptueuse, de l'architecture intérieure habitée aux costumes richement détaillés et aux effets de maquillage horrifiants, place ce film parmi les productions les plus magnifiquement embellies de del Toro. Ou alors, pour citer Stephen King , Pic cramoisi est 'magnifique et juste putain de terrifiant'.
3. Pinocchio (2022)
Annoncé pour la première fois en 2008, Pinocchio a finalement pris 940 jours pour être capturé sur film, soit 10 fois le calendrier de tournage moyen d'un long métrage d'action en direct. Le premier film d'animation en stop-motion de Del Toro présente des conceptions de personnages vraiment uniques, et le mouvement est étonnamment fluide. C'est aussi la première comédie musicale de del Toro, avec des chansons co-écrites avec le compositeur Alexandre Desplat et le parolier Roeban Katz. Mais le détail le plus important de cette production pourrait être l'approche de del Toro en matière de narration, qui est à la fois ancrée dans la réalité historique et fantastique au-delà de toute attente.
Del Toro a vu l'adaptation animée de Walt Disney de Pinocchio avant de lire le roman de Carlo Collodi, et a été influencé autant par les éléments d'horreur de la version de Disney que par l'absurdisme du matériel source. Del Toro change le cadre de l'histoire aux années entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale, lorsque, sous la dictature de Benito Mussolini, le fascisme se répandait à travers l'Italie. Écrit par del Toro et Patrick McHale, créateur de Par-dessus le mur du jardin , cette adaptation est aussi sincère que sauvage, et aussi grotesque qu'enjouée. Comme Le Labyrinthe de Pan , les séquences incroyablement imaginatives fonctionnent comme des explorations de la vie et de la mort et comme un commentaire incisif sur la terreur du fascisme.
2. Le Labyrinthe de Pan (2006)
Le Labyrinthe de Pan (titre original: Le labyrinthe de Pan ) place le travail de Guillermo del Toro parmi les annales des films se déroulant au lendemain de la guerre civile espagnole. Alors que les classiques comme L'esprit de la ruche (1973) ou Corbeaux reproducteurs (1976) sont des allégories de la vie après la dictature de Francisco Franco, Le Labyrinthe de Pan se déroule seulement cinq ans après la fin de la guerre civile espagnole, lorsque Franco a pris le pouvoir pour la première fois. Son histoire semblable à une fable suit un chemin détourné à travers le monde intérieur de son protagoniste, une fille de 11 ans nommée Ofelia (Ivana Baquero). Ofelia et sa mère enceinte (Ariadna Gil) déménagent à la campagne pour rencontrer son nouveau beau-père (Sergi López), un capitaine de l'armée du général Franco qui traque les guérilleros républicains qui y sont dispersés. Ofelia découvre bientôt un labyrinthe où elle rencontre un faune qui lui promet l'immortalité si elle accomplit trois tâches. Au fur et à mesure qu'elle se déplace dans chacune des tâches fantastiques, la brutalité de la guerre continue tout autour d'elle.
Del Toro a travaillé avec David Martí et Montse Ribé, les artistes d'effets spéciaux avec lesquels il a collaboré sur L'épine dorsale du diable et Hellboy , pour créer des créatures décrépites mais luisantes dont la monstruosité reflète la réalité de cette période de l'histoire espagnole. La performance d'Ivana Baquero en tant qu'Ofelia est exceptionnellement subtile et mérite toutes les distinctions qu'elle a reçues. Doug Jones apparaît dans six des 12 films de del Toro à ce jour - parfois en tant que plus d'un personnage - mais sa performance en tant que faune pourrait être son opus magnum.
1. L'épine dorsale du diable (2001)
Aucun autre film de Guillermo del Toro ne résume son style visuel et sa sensibilité narrative de manière aussi réfléchie ou aussi économique que L'épine dorsale du diable (titre original: L'épine dorsale du diable) . Cette histoire d'horreur gothique a été écrite par del Toro avec David Muñoz et Antonio Trashorras. Son cadre en Espagne au cours de la dernière année de la guerre civile espagnole politise ses allégories et, comme les histoires de fantômes les plus retentissantes, les êtres spectraux eux-mêmes représentent les dommages causés par la culture qui les a créés.
comment le dr denise est mort
Un garçon de 12 ans nommé Carlos perd ses parents pendant la guerre et est envoyé dans un orphelinat du pays, où il découvre les fantômes qui le hantent. Il s'agit d'une histoire de fantômes douloureuse davantage préoccupée par la motivation émotionnelle de ses personnages que par ses frayeurs, bien que del Toro cultive un sentiment de terreur qui persiste dans chaque scène. Ses multiples intrigues et leurs thèmes de désir, de perte et de chagrin, en particulier pour les enfants en temps de guerre, sont tissés ensemble de manière transparente. L'épine dorsale du diable était une coproduction internationale entre l'Espagne et le Mexique, et filmée à Madrid, qui est photographiée avec amour d'une manière qui prédit les efforts ultérieurs de del Toro dans des films comme Le Labyrinthe de Pan et Pic cramoisi . Si un spectateur ne pouvait voir qu'une seule entrée dans la filmographie de Guillermo del Toro, L'épine dorsale du diable ça devrait être ça.
(image en vedette : Netflix)
